米开朗基罗说：画家作画不是使用手，而是使用脑。
达芬奇站在《最后的晚餐》那幅画前呆视了很久，却不动一笔，惹得圣母院的长老们大惊小怪。他有句话表明他这么做的原因：大天才的心灵最活跃的创造，是当他们在外表上最不起劲做工作的时候。
图：达·芬奇《最后的晚餐》
素描是一种思维活动，你的眼睛连接的是你表意识的活动。而你的心控制你的潜意识，潜意识会让你看到眼睛看不到的东西。
艺术的本质，是对内心的表达，是对感觉的准确把握，对设计意图的清晰表达。好的作品都是直达内心的。
图：出自广州美术学院2017本科毕业展《瘾》（刘也）你看到的，我看到的，是一样的还是不一样的？你讨厌的不一定是我讨厌的，我们是同类，但永远不会同化。
画家之所以为画家，是由于他见到了旁人只能隐约感觉而不能见到的东西。绘画只是一种技术和手段，不是目的。目的是要把自己见到的东西，感到的感觉表达出来。
事实上，真正的艺术家发现自己心中像怀胎似的有了作品的主题，但怎么怀上的，他并不知道。他只觉的生产的时刻越来越近了，而作品的形体也随着时间越来越丰满了。
图：达·芬奇《蒙娜丽莎的微笑》
画家，要像解剖学家一样去研究人体。骨骼，肌肉，内脏，每一根线条的背后，别人看不见，你看得见。
画家，要像建筑师那样去理解空间和物体，前后上下左右的关系，甚至衣服的褶皱，就蕴藏在线条与线条的组合中。
画家，要像摄影师那样去把握光影，顶光，底光，背光，高亮，别人无法描述的立体感，在你的脑海中却无比清晰。
你不知道这根线条是干什么的，你就会无意识地画很多线出来，构图也会非常杂乱。你知道这根线条的作用，你就会惜墨如金，构图也会非常干练。
图：达·芬奇《维特鲁威人》
不要以为画家是让模特摆好姿势再开始画的，绝大多数画都是画家基于某一印象而凭想象画的。徐悲鸿画马，他能说服马保持一个奔跑的姿势不动吗？
正是因为凭想象画的，所以画家捕捉到的光影才能脱离当时的技术条件。伦勃朗的那个年代还没有电灯，他却已经画出现代舞台灯才能塑造出来的效果。
艺术家对于作用于形体上的光的变化有惊人的敏感。那样的光影诞生于灵魂的创造，是对美的一种极致追求。
图：伦勃朗《夜巡》
照明设计不研究绘画，怎么知道哪些光线能增强形体的造型效果，哪些光线会损害形体的呈现？
光最好是从物体的侧上方，从物体的前面射来，这是许多个世纪艺术家们的传统布光。两个面相交的部分往往是高光和最暗的交集处，从边缘到交汇延伸时，受光面越来越亮，背光面越来越暗。
图：出自四川美术学院2017毕业展作品 ——梦想绝不是梦，梦想是期待，在惊涛骇浪里，渴望碧湖的片刻宁静来抚慰心灵；在跌宕起伏中，期待梦幻般的旅程找到初心；梦想是坚强，每个人的生命都是一只小船，用理想的勇气和执着铸造成梦想的风帆，迎风远航！
艺术家善于创造自己的光源，光的角度，颜色，方向，照度不同，作品给人的感觉就不同。
不同的光，有些在成就形体，有些在破坏形体。比如我们在圆柱体的边缘布置一道反射光，出现一道白边，就会削弱形体的造型。两种以上的光源对于素描作品来说是危险的，但在实际生活中却非常常见。
艺术家要熟悉如何处理照在形体上的多重光线，才能画好作品。而这也是照明设计师需要懂得的知识。
绘画与照明设计，实在是有很多的共通之处。
图：出自鲁迅美术学院2017毕业展作品——面对五彩缤纷的喧哗，却沉醉在归于静止的黑白。似花朵在绽放中嘎然而止，似蒲公英带去牵挂留在远方。单纯的组合排列，统一中赋予变化，由内向外的开放，饱含对生命的敬畏，更加纯粹。